Leo hoy en el periódico que los modistas españoles (17) crean diseños de alta costura basándose en la obra de artistas barrocos, en concreto Zurbarán. La imagen es la de Santa Casilda frente al diseño de Elio Benhanyer.
No sé por dónde empezar a comentar. La imagen es interesante porque a lo mejor no conocéis quién era la santa del cuadro. Era toledana y musulmana y llevaba comida a los cristianos escondida en sus ropajes. Un día un guarda le pidió que enseñara lo que llevaba guardado, que ella dijo ser flores. El milagro se hizo cuando el pan cayó de su falda al suelo convertido en flores.
El fotógrafo copia el cuadro, con ligera variante. El diseñador interpreta el milagro. Si nos fijamos, ella se convierte en una rosa por sí misma (por el color) pero también se aprecia las flores que caen en su falda. No podemos hablar de copia sino de interpretación.
Ángel Schlesser, que tiene a Santa Catalina (1640) como fuente, no lo hace tan bien, a mi entender. Desde luego que el vestido es precioso, pero no es eso lo que estoy comentando sino la capacidad para "crear" desde la creación. Por la espada sabemos que es Santa Catalina de Alejandría y su leyenda es interesante. Fue decapitada, después de ser martirizada por hacer la señal de la cruz en una fiesta pagana. Salvo la espada, no hay nada.
Conclusión, de los diseños que aparecen en la galería de imágenes, el más interesante es el que comento.
Pero mi cabeza no deja de dar vueltas a algo que empezó en los años ´60 del siglo anterior y que algunos han llamado Apropiacionismo.
En una entrada anterior comenté la imagen de Narciso, que recomienzo que refresquéis. Pero quiero hablar de algunos más.
Yasumasa Morimura es un artista que también se ha fotografiado interpretando las obras de los grandes barrocos. Aquí le vemos como la Infanta Margarita de Velázquez, pero tiene otros muchos cuadros de muy diferentes artistas.
Os voy a poner uno que me gusta especialmente porque la obra tiene gran fuerza expresiva. Se trata de Judith de Lucas Cranach (1530). Hay algo de ironía en el tratamiento de estas obras de arte que quedan desacralizadas. Se intenta copiar casi todo pero siempre hay que buscar en donde se cuela la interpretación. Fijaos en el filete que queda en el cuello de Holofernes.
Para todos aquellos que crean que Morimura es mujer os diré que es hombre, pero que casi siempre interpreta personajes femeninos como Frida Kalho, aunque también Van Gogh
Cindy Sherman, sin embargo, es una artista mujer que se adhiere a esta corriente. Aquí la vemos interpretando la obra de Caravaggio, Baco enfermo. Para ello no duda en utilizar toda clase de, vamos a llamarlos así, trucos fotográficos. No se trata de disfrazarse y ya está, no sólo es maquillaje, sino que utiliza prótesis y fotocomposición. Es la única manera de tener esos músculos.
En otra de las obras que voy a mostrar la vemos en la interpretación de la Virgen del Díptico de Melun de Jean Fouquet.
No sé si os habéis dado cuenta de que una parte importante son los referentes que se utilizan, es decir, la fuente. No es lo mismo tomar una obra de un autor que otra porque hay un proceso de selección y de preparación. Aquí no es el lugar de contar la importancia de esta obra para el renacimiento francés o la anterior para el barroco italiano y de los, por ejemplo, caravaggistas de Utrecht. Pero sí podemos intuir que en la elección y planificación, estos artistas ya están "hablando". En general se revisa el pasado y se utiliza lo que ya se considera icono. ¿Ironía? Quizá la hay. ¿Fetichismo? Quién sabe. Cuestiones como la identidad y la validez de las imágenes que percibimos. La democratización de la cultura.
Lo que tenéis que saber es que los que estoy eligiendo son artistas consagrados y no meros oportunistas (que los hay). Han roto con lo anterior y lo han utilizado como medio de expresión propia. Sin embargo, estamos hablando de una corriente muy pasada ya.
Este último que os propongo es uno de los primeros en la recreación de una obra clásica. Alain Jacquet era un artista francés que interpreta el
Almuerzo campestre de Manet, obra que se realiza en 1862. Cuando se cumplía el centenario de la aparición de esta obra, con el consiguiente escándalo que produjo, el artista francés muestra esta fotografía, que es un díptico. Era la época del Arte Pop, Warhol había utilizado la imagen de la lata de sopa
Campbell como ideal de modernidad y sociedad de consumo. Aquí vemos la actualización del tema imitando la textura de una fotografía con los puntos que debe recordar a las fotos de antiguas revistas o fotonovelas. Quizá es la más interesante y su estudio amplio, que prometo realizar algún día.
El
agua es otro elemento fundamental como lo es el verde de ónice de los tabiques
de separación. Los elementos conjuntados para crear una naturaleza
arquitectónica como un universo encerrado en sí mismo pero, al mismo tiempo,
abierto al cielo. El agua refleja el cielo y la piedra, la luz mediterránea que
inunda el interior y; el cristal nos saca al exterior y nos adentra en el
corazón arquitectónico si estamos fuera. El mármol nos da claridad y el bosque
de ónice nos pide sentarnos en el sillón que diseñó por si los reyes de España,
en su visita, querían sentarse.
